L'architecte d'intérieur Charlie Ferrer a un os à choisir avec la décoration intérieure du millénaire

Le designer basé à New York propose un aperçu de son projet le plus personnel à ce jour : sa collection.

À quel moment après avoir obtenu notre diplôme universitaire, abandonnons-nous les tables pliables et les contrefaçons haut de gamme ? Pour l’architecte d’intérieur Charlie Ferrer, la réponse est dès que possible. Le créatif basé à Chelsea a fondé son propre studio de design d'intérieur et sa galerie en 2012, proposant une pléthore de meubles, de luminaires et d'œuvres d'art réalisés par des designers notables et émergents. Le cabinet commun est devenu l'agence de prédilection de ses collègues créatifs et collectionneurs privés qui apprécient son œil éclectique. Ici, Ferrer discute de ses artistes préférés, de l'importance de soutenir les petits talents et du secret pour créer un intérieur de bon goût.

CULTURED : Selon vous, qu’est-ce qui différencie la scène artistique new-yorkaise ?

Charlie Ferrer : La densité des ressources. New York possède la plus forte concentration de galeries, de marchands, d'institutions, d'artistes en activité, de conservateurs, de conseillers, de restaurateurs et, surtout, de collectionneurs. Cette proximité des personnes et des talents, de l’argent et des idées engendre une atmosphère hautement productive.

CULTURÉ : Vous avez été présenté comme un « designer millénaire ». Selon vous, que fait cette génération de bien et de mal dans sa maison ?

Ferrer : Il y a beaucoup de jeunes collectionneurs qui participent aux marchés de l'art et du design à des niveaux avancés, et c'est formidable. Je souhaite plus de participation au niveau émergent. Il existe un vaste monde de jeunes qui font de l’art. Où sont leurs homologues collectionneurs ? J'aimerais voir la fusion d'une communauté plus large de « collectionneurs émergents », un groupe qui soutient ses artistes contemporains, choisissant des achats d'art et de design aussi fréquemment que d'autres catégories discrétionnaires comme la mode et les voyages. Les dépenses peuvent être modestes : il s'agit moins d'argent que de curiosité, d'éducation, de changement d'orientation. J'entre rarement chez une personne de 30 ou même de 38 ans pour trouver une poignée d'images ou d'objets soigneusement collectés. Je trouve cette réalité décevante.

Ce même souhait s’étend aux intérieurs et au design de collection. Les millennials ont tendance à consommer des produits de détail marchandisés. Pourquoi choisir des modules informels, un design scandinave mal réalisé et des reproductions de Pierre Jeanneret alors qu'il existe tant de possibilités d'expression individualisée du goût ? Le design historique et les produits spécialisés pour la maison sont plus accessibles que jamais.

CULTURÉ : Quel est l'impact de la collection d'art d'un client sur votre vision de son intérieur ? Comment avez-vous construit votre espace autour du vôtre ?

Ferrer : Je vends des environnements collectés. Lorsqu'un client vient me voir avec une collection d'art et/ou de design existante, nous lui faisons de la place. Je préfère que chaque pièce que je touche contienne de l’art et des objets, mais je ne conçois pas nécessairement des pièces pour l’art ou, à l’inverse, je sélectionne des œuvres d’art pour des pièces spécifiques. Je suppose que les travaux à grande échelle constituent une exception. Si une œuvre nécessite un mur massif, un chemin d'accès particulier à l'espace, etc., nous le planifions dès le début de notre processus.

Philosophiquement, je crois qu'il faut collectionner pour le bien d'une collection et créer des intérieurs qui soutiennent et dialoguent avec cette collection. Je construis des espaces à travers un processus itératif de superposition dans lequel chaque objet a un sens en soi. Au fur et à mesure qu'un projet évolue, un assemblage de choses sympas se développe. La vision du projet dans son ensemble finit par prendre forme. La somme de ses parties semble éclectique et organiquement collectée parce qu’elle l’est. Les meilleurs projets ne sont jamais vraiment terminés, ils continuent d’évoluer, même si ce n’est que de manière modeste.

Quand vient le temps d’installer des œuvres d’art, j’aime les accrocher de manière dense, souvent asymétrique et parfois de manière non conventionnelle, tant que le client est à bord.

CULTURED : Où commence l’histoire de votre collection personnelle ?

Ferrer : Probablement à Los Angeles après l'université. Mon ami David Morehouse a travaillé au Hammer pendant nos années là-bas. Grâce à David, j'ai eu beaucoup de contacts avec des artistes, des collectionneurs et des marchands – des artistes comme Mark Bradford, Mark Hagen, Elliott Hundley ; les collectionneurs Eugenio López, Beth Rudin DeWoody, Bill Bell, Alan Hergott et Curt Shepard ; les marchands Shaun Regen, Hannah Hoffman, Nino Mier, David Kordansky. Il y a plus de dix ans, le monde de l’art à Los Angeles ressemblait à un petit club. Cette période de ma vie a été très révélatrice. Cela m'a fait entrer dans un monde que je ne connaissais pas. Même si j'ai eu une galerie pendant un an où nous exposions des meubles et des œuvres d'art (présentées dans le numéro du printemps 2013 de CULTURED), je ne pense pas avoir réellement acquis d'œuvres d'art pour moi-même avant mon départ pour New York.